Jack McDuff • The Pink Panther

 

Jack McDuff • Soul Circle

 Artist Biography by Ron Wynn

A marvelous bandleader and organist as well as capable arranger, "Brother" Jack McDuff has one of the funkiest, most soulful styles of all time on the Hammond B-3. His rock-solid basslines and blues-drenched solos are balanced by clever, almost pianistic melodies and interesting progressions and phrases. McDuff began as a bassist playing with Denny Zeitlin and Joe Farrell. He studied privately in Cincinnati and worked with Johnny Griffin in Chicago. He taught himself organ and piano in the mid-'50s, and began gaining attention working with Willis Jackson in the late '50s and early '60s, cutting high caliber soul-jazz dates for Prestige. McDuff made his recording debut as a leader for Prestige in 1960, playing in a studio pickup band with Jimmy Forrest. They made a pair of outstanding albums: Tough Duff and The Honeydripper. McDuff organized his own band the next year, featuring Harold Vick and drummer Joe Dukes. Things took off when McDuff hired a young guitarist named George Benson. They were among the most popular combos of the mid-'60s and made several excellent albums. McDuff's later groups at Atlantic and Cadet didn't equal the level of the Benson band, while later dates for Verve and Cadet were uneven, though generally good. McDuff experimented with electronic keyboards and fusion during the '70s, then in the '80s got back in the groove with the Muse session Cap'n Jack. While his health fluctuated throughout the '90s, McDuff released several discs on the Concord Jazz label before succumbing to heart failure on January 23, 2001, at the age of 74.

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Biografía del artista por Ron Wynn

El "Hermano" Jack McDuff es un maravilloso líder de orquesta y organista, además de un hábil arreglista, y tiene uno de los estilos más divertidos y conmovedores de todos los tiempos en el Hammond B-3. Sus líneas de bajo sólidas como la roca y sus solos llenos de blues están equilibrados por melodías inteligentes, casi pianísticas e interesantes progresiones y frases. McDuff comenzó como un bajista tocando con Denny Zeitlin y Joe Farrell. Estudió en privado en Cincinnati y trabajó con Johnny Griffin en Chicago. Se enseñó a sí mismo órgano y piano a mediados de los años 50, y comenzó a llamar la atención trabajando con Willis Jackson a finales de los 50 y principios de los 60, cortando fechas de soul-jazz de alto calibre para Prestige. McDuff hizo su debut en la grabación como líder de Prestige en 1960, tocando en una banda de estudio con Jimmy Forrest. Hicieron un par de álbumes sobresalientes: Tough Duff y The Honeydripper. McDuff organizó su propia banda el próximo año, con Harold Vick y el baterista Joe Dukes. Las cosas se dispararon cuando McDuff contrató a un joven guitarrista llamado George Benson. Estaban entre los combos más populares de mediados de los años 60 e hicieron varios álbumes excelentes. Los grupos posteriores de McDuff en Atlantic y Cadet no igualaron el nivel de la banda de Benson, mientras que las fechas posteriores de Verve y Cadet fueron desiguales, aunque en general fueron buenas. McDuff experimentó con los teclados electrónicos y la fusión durante los años 70, luego, en los 80, volvió al ritmo de la sesión de Muse Cap'n Jack. Si bien su salud fluctuó a lo largo de los años 90, McDuff lanzó varios discos en la etiqueta Concord Jazz antes de sucumbir a una insuficiencia cardíaca el 23 de enero de 2001, a la edad de 74 años.

Brother Jack McDuff • Prelude

 

 Review by Richie Unterberger

Prelude was a successful match of McDuff's small-combo organ jazz with big band arrangements by Benny Golson. In part, that was because the blend was well-executed, never fighting with or drowning out McDuff's organ. But it was also because the mixture made it stand out amidst the scads of organ jazz records being churned out in the early '60s. While a very young George Benson was in the core quartet on guitar, a dozen others supplemented the players, including trumpets, trombones, French horns, and saxophones. McDuff wrote about half the material, and while Golson was responsible for just one number, it's the standout title track, "Prelude." That nine-minute piece moves from an opening of almost classical orchestrated grand solemnity to a slow-bopping section dwelling on McDuff's mourning organ. Nothing else on the album matches it, but the rest is pretty good, sometimes leading off with other Golson orchestrations; Benson gets a chance to steal the solo spotlight for a bit in "Dig Cousin Will."

 

Biography :
A marvelous bandleader and organist as well as capable arranger, "Brother" Jack McDuff has one of the funkiest, most soulful styles of all time on the Hammond B-3. His rock-solid basslines and blues-drenched solos are balanced by clever, almost pianistic melodies and interesting progressions and phrases. McDuff began as a bassist playing with Denny Zeitlin and Joe Farrell. He studied privately in Cincinnati and worked with Johnny Griffin in Chicago. He taught himself organ and piano in the mid-'50s, and began gaining attention working with Willis Jackson in the late '50s and early '60s, cutting high caliber soul-jazz dates for Prestige. McDuff made his recording debut as a leader for Prestige in 1960, playing in a studio pickup band with Jimmy Forrest. They made a pair of outstanding albums: Tough Duff and The Honeydripper. McDuff organized his own band the next year, featuring Harold Vick and drummer Joe Dukes. Things took off when McDuff hired a young guitarist named George Benson. They were among the most popular combos of the mid-'60s and made several excellent albums. McDuff's later groups at Atlantic and Cadet didn't equal the level of the Benson band, while later dates for Verve and Cadet were uneven, though generally good. McDuff experimented with electronic keyboards and fusion during the '70s, then in the '80s got back in the groove with the Muse session Cap'n Jack. While his health fluctuated throughout the '90s, McDuff released several discs on the Concord Jazz label before succumbing to heart failure on January 23, 2001, at the age of 74. ~ Ron Wynn and Bob Porter.

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Traducción Automática:

Reseña por Richie UnterbergerPrelude fue un partido exitoso del jazz de órgano pequeño de McDuff con arreglos de big band de Benny Golson. En parte, eso fue porque la mezcla fue bien ejecutada, nunca peleando con o ahogándose el órgano de McDuff. Pero también fue porque la mezcla hizo que se destacara en medio de las grabaciones de los discos de jazz orgánico que se empezaron a producir a principios de los '60. Mientras que un jovencísimo George Benson estaba en el cuarteto central de la guitarra, una docena de otros complementaban a los actores, incluyendo trompetas, trombones, cuernos franceses y saxofones. McDuff escribió casi la mitad del material, y aunque Golson fue responsable de un solo número, es la canción principal titulada "Preludio". Esa pieza de nueve minutos se mueve de una apertura de gran solemnidad orquestada casi clásica a una sección lenta que habita en el órgano de duelo de McDuff. Nada más en el álbum lo combina, pero el resto es bastante bueno, a veces con otras orquestaciones de Golson; Benson tiene la oportunidad de robar el reflector en solitario por un momento en "Dig Cousin Will".

 

Biografía :

Un maravilloso director de banda y organista así como un arreglista capaz, "Brother" Jack McDuff tiene uno de los estilos más funky y más conmovedor de todos los tiempos en el Hammond B-3. Sus líneas de bajo sólidas como el rock y sus solos empapados de blues están equilibrados por melodías inteligentes, casi pianísticas y progresiones y frases interesantes. McDuff comenzó como bajista tocando con Denny Zeitlin y Joe Farrell. Estudió de forma privada en Cincinnati y trabajó con Johnny Griffin en Chicago. Se enseñó a sí mismo a tocar el órgano y el piano a mediados de los años 50, y comenzó a llamar la atención trabajando con Willis Jackson a finales de los 50 y principios de los 60, cortando fechas de soul-jazz de alto calibre para Prestige. McDuff hizo su debut discográfico como líder para Prestige en 1960, tocando en una banda de estudio con Jimmy Forrest. Hicieron un par de álbumes excepcionales: Tough Duff y The Honeydripper. McDuff organizó su propia banda al año siguiente, con Harold Vick y el baterista Joe Dukes. Las cosas despegaron cuando McDuff contrató a un joven guitarrista llamado George Benson. Estaban entre los combos más populares de mediados de los 60 e hicieron varios álbumes excelentes. Los grupos posteriores de McDuff en Atlantic y Cadet no igualaron el nivel de la banda de Benson, mientras que las fechas posteriores de Verve y Cadet fueron desiguales, aunque en general buenas. McDuff experimentó con los teclados electrónicos y la fusión durante los años 70, luego en los 80 volvió a la onda con la sesión de Muse Cap'n Jack. Mientras que su salud fluctuó a lo largo de los años 90, McDuff publicó varios discos en el sello Concord Jazz antes de sucumbir a una insuficiencia cardíaca el 23 de enero de 2001, a la edad de 74 años. ~ Ron Wynn y Bob Porter

 

 

 

Red Holloway • Brother Red

La sola versión de "Wives and Lovers" vale el disco.

Reseña de Scott Yanow

Canciones de Brother Red Las 11 selecciones incluidas en esta reedición del CD incluyen siete canciones de una sesión encabezada por el tenor-saxofonista Red Holloway que utilizó los miembros del Jack McDuff Quintet (con el organista, el guitarrista George Benson, el bajista Wilfred Middlebrooks y el baterista Joe Dukes), tres piezas de una cita de McDuff en la que las voces principales están respaldadas por una orquesta arreglada por Benny Golson, y una selección de un sampler. Álbum Brother Red El material varía un poco ("Wives and Lovers" y la balada soul de Holloway "No Tears" son olvidables) pero el blues y las piezas uptempo (destacadas por "This Can't Be Love" son bastante agradables y el saxofonista subestimado está en excelente forma. Hermano Red CD de música

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The single version of "Wives and Lovers" is worth the album.

Review by Scott Yanow

Brother Red songs The 11 selections included on this CD reissue include seven songs from a session headed by tenor-saxophonist Red Holloway that used the members of the Jack McDuff Quintet (with the organist, guitarist George Benson, bassist Wilfred Middlebrooks and drummer Joe Dukes), three pieces from a McDuff date in which the lead voices are backed by an orchestra arranged by Benny Golson, and a selection from a sampler. Brother Red album The material varies a bit ("Wives and Lovers" and Holloway's soul ballad "No Tears" are forgettable) but the blues and the uptempo pieces (highlighted by "This Can't Be Love" are quite enjoyable and the underrated saxophonist is in excellent form. Brother Red CD music

 

 

 

 

The Brother Jack McDuff Quartet With The Big Band Of Benny Golson • The Dynamic Jack Mc Duff

Billboard 1 Aug 1964

VA • Legends of Acid Jazz - Hammond Heroes

 

Review by Richie Unterberger

Very good compilation of 13 soul-jazz cuts from the Prestige vaults featuring the Hammond B-3 organ, recorded between 1959 and 1967. Some of the names (Shirley Scott, Jack McDuff, Richard "Groove" Holmes") are pretty well known to fans of the style, but others are not. It's also a useful disc because it has key sides on which McDuff, Larry Young, John Patton, and others were playing as sidemen to non-keyboardist leaders, and thus might be overlooked by collectors of the style. Willis Jackson's "Pool Shark" (with Carl Wilson on organ) and Trudy Pitts' ebullient run through "Take Five" are real groovers; Richard "Groove" Holmes' "Misty" was a Top Fifty pop hit and one of the few soul-jazz singles to hit the charts.

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Reseña de Richie Unterberger

Muy buena compilación de 13 cortes de soul-jazz de las bóvedas del Prestige con el órgano Hammond B-3, grabado entre 1959 y 1967. Algunos de los nombres (Shirley Scott, Jack McDuff, Richard "Groove" Holmes") son bastante conocidos por los fans del estilo, pero otros no. También es un disco útil porque tiene lados clave en los que McDuff, Larry Young, John Patton y otros jugaban como acompañantes de líderes no teclistas, y por lo tanto podría ser pasado por alto por los coleccionistas del estilo. El "Pool Shark" de Willis Jackson (con Carl Wilson en el órgano) y el exuberante recorrido de Trudy Pitts en "Take Five" son auténticos groovers; el "Misty" de Richard "Groove" Holmes fue un éxito pop del Top 50 y uno de los pocos singles de soul-jazz que llegó a las listas de éxitos.

The Ray Brown Trio • Soular Energy

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
This album is important as an early milestone in pianist Gene Harris' second career. Harris, who had led the popular Three Sounds in the 1960s, had been living in obscurity in Boise, ID, for several years before he was urged by bassist Ray Brown to come to the West Coast for some recording sessions. Harris became a permanent member of Brown's regular trio for quite a few years before launching his own quartet. He had lost none of his technique, soul, or swing in the interim, as he shows throughout this fine release. Seven of the eight numbers (highlighted by "Exactly Like You," "Teach Me Tonight," and "Sweet Georgia Brown") feature Brown, Harris, and drummer Gerryck King playing soulful bop, while "Mistreated But Undefeated Blues" adds guitarist Emily Remler and the tenor of Red Holloway. An excellent effort.
https://www.allmusic.com/album/soular-energy-mw0000649426

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Resena de AllMusic (por Scott Yanow):
Este album es importante como un hito temprano en la segunda carrera del pianista Gene Harris. Harris, que habia liderado el popular Three Sounds en los anos 60, habia estado viviendo en el anonimato en Boise, ID, durante varios anos antes de ser instado por el bajista Ray Brown a venir a la Costa Oeste para algunas sesiones de grabacion. Harris se convirtio en miembro permanente del trio habitual de Brown durante bastantes anos antes de lanzar su propio cuarteto. No habia perdido nada de su tecnica, alma o swing en el interim, como demuestra a lo largo de este excelente lanzamiento. Siete de los ocho temas (destacados por "Exactly Like You," "Teach Me Tonight" y "Sweet Georgia Brown") presentan a Brown, Harris y el baterista Gerryck King tocando bop lleno de alma, mientras que "Mistreated But Undefeated Blues" suma a la guitarrista Emily Remler y el tenor de Red Holloway. Un excelente esfuerzo.
https://www.allmusic.com/album/soular-energy-mw0000649426

Plas Johnson & Red Holloway • Keep That Groove Going

 

Plas Johnson's playing has a place on almost every American's mental hard drive, even if you don't know his name (he was the piccolo player on Bobby Day's "Rockin' Robin," the tenor sax on The Pink Panther and The Odd Couple themes, etc.). Red Holloway has a higher profile in the jazz world, but like Johnson, chose to confine himself mostly to Los Angeles. Together, in their seventies, they journeyed out to Rudy Van Gelder's studio in New Jersey to match wits on another Bob Porter-produced soul-jazz cooker, effortlessly suggesting tenor battles of the past. They are a most compatible duo, with Johnson displaying a slightly lighter, more overt rhythm & blues tinge, and their sure-footed note selection makes them a pleasure to hear. The battle royal reaches a peak on Arnett Cobb's fortuitously titled "Go Red Go," fading on one ecstatic, repeated, unison, A flat note. There are also solo ballad tracks for each player, where Holloway reaches deep down into warm, majestic Illinois Jacquet/Gene Ammons territory in "Serenade in Blue" and Johnson opens up his lower-register timbre on "Cry Me a River." The rhythm section virtually defines this idiom, with down-home veterans like guitarist Melvin Sparks (who offers killer obbligatos in "Pass the Gravy"), Hammond organist Gene Ludwig, and drummer Kenny Washington keeping the pot boiling. Also, the 24-bit sound that Van Gelder was getting in 2001 projects everything with an oomph and clarity that is astounding even for this master engineer.

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La forma de tocar de Plas Johnson ocupa un lugar en el disco duro mental de casi todos los estadounidenses, aunque no se conozca su nombre (fue el flautín de "Rockin' Robin" de Bobby Day, el saxo tenor de los temas de La Pantera Rosa y La extraña pareja, etc.). Red Holloway tiene un perfil más alto en el mundo del jazz, pero al igual que Johnson, optó por limitarse principalmente a Los Ángeles. Juntos, a sus setenta años, viajaron al estudio de Rudy Van Gelder en Nueva Jersey para coincidir en otra cocina de soul-jazz producida por Bob Porter, sugiriendo sin esfuerzo las batallas de tenores del pasado. Son un dúo muy compatible, con Johnson mostrando un tinte ligeramente más ligero y más evidente de rhythm & blues, y su segura selección de notas hace que sea un placer escucharlos. La batalla real alcanza su punto álgido en "Go Red Go", de Arnett Cobb, titulada fortuitamente, y que se desvanece con una nota de La bemol, repetida y extática. También hay temas de baladas en solitario para cada intérprete, en los que Holloway se adentra en el cálido y majestuoso territorio de Illinois Jacquet/Gene Ammons en "Serenade in Blue" y Johnson abre su timbre de registro inferior en "Cry Me a River". La sección rítmica prácticamente define este lenguaje, con veteranos como el guitarrista Melvin Sparks (que ofrece obbligatos asesinos en "Pass the Gravy"), el organista Hammond Gene Ludwig y el baterista Kenny Washington manteniendo la olla en ebullición. Además, el sonido de 24 bits que Van Gelder conseguía en 2001 lo proyecta todo con una oomph y una claridad que resulta asombrosa incluso para este maestro de la ingeniería.

Brother Jack McDuff • Silk And Soul

 

Brother Jack's organ is set amidst an amazing batch of orchestrations by Benny Golson, and the core of the group is Jack's combo with Red Hollway, George Benson, and Joe Dukes. Golson's arrangements are fantastic, and far from surpressing or overpowering the combo's funky jazz sound, they actually take it to a whole new level, and provide a beautiful platform from which Jack dives and screams on the Hammond B-3. Benson's guitar is amazing, and there's sections in here where he comps so hard and heavy that you won't believe they didn't use a sampler on the album! Cuts include "Scufflin", "Lexington Line", "What's Shakin", and "Silk & Soul". 
https://www.dustygroove.com/item/15876/Jack-McDuff:Silk-Soul

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El órgano del hermano Jack se encuentra en medio de un increíble lote de orquestaciones de Benny Golson, y el núcleo del grupo es el combo de Jack con Red Hollway, George Benson y Joe Dukes. Los arreglos de Golson son fantásticos, y lejos de sorprender o dominar el sonido funky del jazz del combo, en realidad lo llevan a un nivel completamente nuevo y brindan una hermosa plataforma desde la cual Jack se zambulle y grita en el Hammond B-3. La guitarra de Benson es increíble, ¡y hay secciones aquí en las que compila tan fuerte y pesado que no creerás que no usaron un sampler en el álbum! Los cortes incluyen "Scufflin", "Lexington Line", "What's Shakin "y"Silk & Soul". 
https://www.dustygroove.com/item/15876/Jack-McDuff:Silk-Soul


 

Brother Jack McDuff • The Concert McDuff

 

B.B. King • LA Midnight

Biography

Born on a plantation in Itta Bena, Mississippi in 1925, Riley B. King would start from very humble beginnings. His family moved around the area, and the young Riley experienced early a life of constant motion. As a youngster he was a farm laborer, but drawn to music, he took up the guitar; he played on street corners, and would sometimes play in as many as four towns a night. In 1946, he hitchhiked to Memphis, to pursue his music career. Memphis was a large musical community where every style of music could be found, a good place for a young man who wanted to play the blues. Riley stayed with his cousin Bukka White, a celebrated bluesman in his own right, who was able to show him first hand the guitar foundations of the blues.

Playing an acoustic set of rural blues, he kicked around a lot of the clubs in Memphis, getting a break in 1948 when he performed on Sonny Boy Williamson's radio program on KWEM out of West Memphis. This led to steady engagements at the 16th St. Grill in West Memphis, and later to a ten-minute spot on black Memphis radio station WDIA. “King's Spot,” became so popular, it was expanded and became the “Sepia Swing Club.” Becoming a popular local disc jockey, Riley needed a professional sounding name. He was the Beale Street Blues Boy then Blues Boy King, and eventually B.B. King. This led to the studio recording of “Miss Martha King” for the local Bullet label, which didn’t cause much of a stir, but it did stimulate B.B. to pursue a recording contract.

He recorded a couple of singles for Bullet, and then signed with Modern’s RPM where he did “Three O’Clock Blues”, in 1951. This song proved to be a major hit, and he quickly followed that with “Please Love Me”, “You Upset Me Baby”, “Every Day”, (which would become his theme song), “Ten Long Years”, and “Sweet Little Angel”. These are available as “The RPM Hits 1951-1957” (Ace). These recordings rose to the tops of the R&B charts, and he went on the road to promote the songs, thus starting his life of incessant touring. This is how he developed his unique and signature style, every night, playing the blues. By 1955 he had a full time band, and hit the road, where he’s been ever since.

Riding the wave of popularity generated by the RPM records, he churned out a string of hits for their subsidiary Kent label, and stayed with them throughout the ‘50’s. This is the period where he made a name for himself, both in the record charts, and promoting the records by playing live. But by 1961, he had decided to change labels, looking to get a better deal than he was getting at RPM/Kent. He signed with ABC/Paramount records, which had just scored big by signing Ray Charles from Atlantic, they were aware of a bigger market, knew how to market B.B.’s music and were willing to pay for it. B.B. King received a $25,000 signing bonus. The overall environ was much more professional, and though they brought in first class arrangers and musicians, they pretty much gave B.B. a free reign, or so he thought.

There was in this period of the early ‘60’s a change of direction that took away from the blues essence he was known for and the record sales were not what everyone expected. Then producer/arranger Johnny Pate had the idea of recording B.B. on his home turf, a black nightspot, with his own band. The result was “Live at the Regal”, released in January 1965. It blew everyone away, and changed contemporary guitar forever. This album is responsible for the acceptance and adherence of a whole new generation, mostly white, to the blues. The guitar players alone who were influenced by it is staggering, and includes every blues and rock player from then on. It reestablished the way to play electric blues and made B.B. King “King of the Blues”!!

B.B. King has one of the world's most identifiable guitar styles, and his guitar Lucille is probably the most famous. Lucille is a Custom Shop Gibson ES-355. His first guitar back in his early days in Mississippi was a Stella acoustic. He borrowed from Django Reinhardt, Charlie Christian, Lonnie Johnson, of course T-Bone Walker and others, integrating his precise and complex vocal-like string bends and his left hand vibrato, both of which have become indispensable components of guitar vocabulary. Drawing heavily from the sweet single string T-bone style patterns, he plays with a short stinging attack, often in a cluster pattern. Starting with a five note signature, he follows with delicate phrases, sliding into notes, and allowing space for them to build. He listened a lot to jazz horn players, and it is portrayed in his use of dynamics, tension and tone, he is the undisputed master of an economical method of expression.

By 1968, B.B. was playing at the Newport Folk Festival and at Bill Graham's Fillmore West on bills with the hottest rock artists of the day, all which were huge fans. The Rolling Stones chose him to open their ’69 tour, thus gaining even broader exposure. He was able to capitalize on the Blues Revival at the time, but then again he was always around, and perennially on the road. In 1969 he was the premier act on the new ABC label Bluesway where he came out with “The Thrill is Gone”, which is his signature tune, and is his biggest hit to date. This opened up new venues and he was soon playing Las Vegas, in the same clubs where Sinatra played. By 1970 he was on the Tonight Show, and on the Ed Sullivan Show, the blues makes it to prime time America.

The 1970’s saw B.B.King sitting on top of the world, so then he decided to go back to his blues roots and did two excellent albums “Live at the Cook County Jail”, and “Completely Well/Live in Cook County Jail”. These showcase what he does best, playing in front of a live audience. Both for the ABC/MCA label where he continued to record for years to come.

He would go on to record many commercially successful albums, and of course stayed on the road performing around the world, known as the Ambassador of the Blues, as certainly no one has played the blues in so many places. MCA released a four cd box set “B.B.King, King of the Blues”, as a compilation of his recording history up to 1991. B.B. was inducted into the Blues Foundation Hall of Fame in 1984,the Rock and Roll Hall of Fame in 1987, and the Songwriters Hall of Fame in 1990.He received a Lifetime Achievement Grammy Award in 1987, and has received honorary doctorates from several colleges as Yale University in 1977; Berklee College of Music in 1982; Rhodes College of Memphis in 1990 and Mississippi Valley State University in 2002. In 1992, he received the National Award of Distinction from the University of Mississippi. There is also a star on the Hollywood Walk of Fame, and Presidential Medal of Honor.

In 1991, B.B. King's Blues Club opened on Beale Street in Memphis, and in 1994, a second club was launched in Los Angeles. A third club in New York City's Times Square opened in June 2000 and two clubs opened in Connecticut in January 2002. In 1996, the CD-Rom “On the Road with B.B. King: An Interactive Autobiography”, and his book “Blues All Around Me” (Avon Books) was published. “The Arrival of B.B. King” (Doubleday) by Charles Sawyer, a biography was published in 1980. Between 1951 and 1985 he listed an amazing 75 entries in Billboard’s R&B charts. There are multiple Grammy’s (over 15 last count) sitting on his shelf at home, and a wall full of Gold and Platinum Records representing millions in album sales. “Deuces Wild”, an all-star collection of duets, released in 1997, returned B.B. to the limelight. His 1998 album, “Blues on the Bayou”, was well received, and his annual B.B. King Blues Festival Tour is a top attraction. The1999 release of “Let the Good Times Roll—The Music of Louis Jordan” was a musical tribute to one of his heroes. B.B. teamed up with Eric Clapton on the multi-platinum release of “Riding with the King”, (Reprise 2000) which was Clapton’s tribute to him, an excellent record, a master and his pupil so many years later, so many roads traveled both still playing the blues.On the occasion of his 80th birthday in 2005, he recorded a star- studded duets album “80”(Geffen) as a testament to his will as an enduring musician.

B.B. King has released another gem of a album. “One Kind Favor” on Geffen Records.Recorded at The Village Recorder in Los Angeles, CA “OneKind Favor” is meant to sound like an album recorded in the50s. To get this sound producer T-Bone Burnett and King replicated the kind of blues band King had back in the day.Studio conditions of the time were reproduced. The result is a vintage sounding album filled with the songs that influenced King in his early days as an artist. Highly Recommended!

B.B. King was the most fortunate and unusual of bluesmen; a success on his own terms, and in his own time. He was the best known, most recognized bluesman on the planet. He stayed true to himself and his music, and made it on that.

B.B. King passed on May 15, 2015.

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Biografía

Nacido en una plantación en Itta Bena, Mississippi, en 1925, Riley B. King comenzaría desde un principio muy humilde. Su familia se trasladó por la zona, y el joven Riley experimentó a temprana edad una vida de constante movimiento. De joven era obrero agrícola, pero atraído por la música, tomó la guitarra; tocaba en las esquinas de las calles, y a veces tocaba en hasta cuatro pueblos por noche. En 1946, hizo autostop a Memphis, para continuar su carrera musical. Memphis era una gran comunidad musical donde se podían encontrar todos los estilos de música, un buen lugar para un joven que quería tocar blues. Riley se quedó con su primo Bukka White, un famoso bluesista por derecho propio, que pudo mostrarle de primera mano los fundamentos de la guitarra del blues.

Tocando un conjunto acústico de blues rural, dio una patada a muchos de los clubes de Memphis, consiguiendo un descanso en 1948 cuando actuó en el programa de radio de Sonny Boy Williamson en KWEM fuera de Memphis Oeste. Esto condujo a compromisos constantes en el 16th St. Grill en West Memphis, y más tarde a un anuncio de diez minutos en la estación de radio negra de Memphis WDIA. "King's Spot", se hizo tan popular, que se expandió y se convirtió en el "Sepia Swing Club". Convirtiéndose en un popular disc-jockey local, Riley necesitaba un nombre que sonara profesional. Era el Beale Street Blues Boy, luego el Blues Boy King, y finalmente el B.B. King. Esto llevó a la grabación en estudio de "Miss Martha King" para el sello local Bullet, que no causó mucho revuelo, pero sí estimuló a B.B. a buscar un contrato de grabación.

Grabó un par de sencillos para Bullet, y luego firmó con Modern's RPM donde hizo "Three O'Clock Blues", en 1951. Esta canción resultó ser un gran éxito, y rápidamente la siguió con "Please Love Me", "You Upset Me Meter Baby", "Every Day", (que se convertiría en su tema principal), "Ten Long Years", y "Sweet Little Angel". Están disponibles como "The RPM Hits 1951-1957" (Ace). Estas grabaciones llegaron a lo más alto de las listas de éxitos del R&B, y se puso en camino para promocionar las canciones, iniciando así su vida de incesante gira. Así fue como desarrolló su estilo único y característico, cada noche, tocando el blues. Para 1955 tenía una banda de tiempo completo, y se fue de viaje, donde ha estado desde entonces.

Aprovechando la ola de popularidad generada por los discos RPM, produjo una serie de éxitos para su subsidiaria Kent, y permaneció con ellos a lo largo de los años 50. Este es el período en el que se hizo un nombre, tanto en las listas de éxitos como en la promoción de los discos tocando en vivo. Pero para 1961, había decidido cambiar de discográfica, buscando conseguir un mejor precio que el que obtenía en RPM/Kent. Firmó con ABC/Paramount Records, que acababa de obtener una gran puntuación con Ray Charles de Atlantic, conocían un mercado más grande, sabían cómo comercializar la música de B.B. y estaban dispuestos a pagar por ella. B.B. King recibió un bono de 25.000 dólares por la firma. El ambiente en general era mucho más profesional, y aunque trajeron arreglistas y músicos de primera clase, le dieron a B.B. un reinado libre, o eso pensó.

Hubo en este período de principios de los'60 un cambio de dirección que le quitó la esencia del blues por el que era conocido y las ventas de discos no fueron lo que todo el mundo esperaba. Entonces el productor y arreglista Johnny Pate tuvo la idea de grabar a B.B. en su territorio natal, un local nocturno negro, con su propia banda. El resultado fue "Live at the Regal", publicado en enero de 1965. Voló por los aires a todo el mundo y cambió la guitarra contemporánea para siempre. Este álbum es responsable de la aceptación y adhesión de toda una nueva generación, en su mayoría blanca, al blues. Los guitarristas que fueron influenciados por ella son asombrosos, e incluye a todos los guitarristas de blues y rock a partir de entonces. Restableció la forma de tocar blues eléctrico e hizo que B.B. King "King of the Blues"!

B.B. King tiene uno de los estilos de guitarra más conocidos del mundo, y su guitarra Lucille es probablemente la más famosa. Lucille es una tienda personalizada Gibson ES-355. Su primera guitarra en sus primeros días en Mississippi fue una Stella acústica. Tomó prestado de Django Reinhardt, Charlie Christian, Lonnie Johnson, por supuesto T-Bone Walker y otros, integrando sus precisas y complejas curvas de cuerdas vocales y su vibrato de la mano izquierda, que se han convertido en componentes indispensables del vocabulario de la guitarra. Basándose en gran medida en los dulces patrones en forma de T-bone de una sola cuerda, juega con un ataque corto y punzante, a menudo en forma de racimo. Comenzando con una firma de cinco notas, sigue con frases delicadas, deslizándose en notas y dejando espacio para que se construyan. Escuchó mucho a los trompetistas de jazz, y se refleja en su uso de la dinámica, la tensión y el tono, es el maestro indiscutible de un método económico de expresión.

En 1968, B.B. tocaba en el Festival Folklórico de Newport y en Fillmore West de Bill Graham con los artistas de rock más populares del momento, todos los cuales eran grandes fans. Los Rolling Stones lo eligieron para abrir su gira del'69, ganando así una exposición aún más amplia. Fue capaz de sacar provecho del avivamiento del Blues en ese momento, pero luego siempre estaba alrededor, y perennemente en la carretera. En 1969 fue el primer acto del nuevo sello ABC Bluesway, donde salió con "The Thrill is Gone", que es su tema característico, y es su mayor éxito hasta la fecha. Esto abrió nuevos lugares y pronto tocó en Las Vegas, en los mismos clubes donde tocaba Sinatra. Para 1970 estaba en el Tonight Show, y en el Ed Sullivan Show, el blues llega al horario de máxima audiencia en Estados Unidos.

La década de 1970 vio a B.B.King sentado en la cima del mundo, así que decidió volver a sus raíces blues e hizo dos excelentes álbumes "Live at the Cook County Jail", y "Completely Well/Live in Cook County Jail". Éstas muestran lo que él hace mejor, tocando frente a un público en vivo. Tanto para el sello ABC/MCA donde continuó grabando en los próximos años.

Siguió grabando muchos discos de éxito comercial y, por supuesto, se quedó de gira por todo el mundo, conocido como el Embajador de los Blues, ya que ciertamente nadie ha tocado el blues en tantos lugares. MCA lanzó un set de cuatro cd's "B.B.King, King of the Blues", como una compilación de su historia discográfica hasta 1991. B.B. fue admitido en el Salón de la Fama de la Fundación Blues en 1984, en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1987, y en el Salón de la Fama de los Compositores de Canciones en 1990, recibió un premio Grammy en 1987, y ha recibido doctorados honoris causa de varias universidades como la Universidad de Yale en 1977, el Colegio de Música de Berklee en 1982, el Colegio de Música de Rhodes en Memphis en 1990 y la Universidad Estatal del Valle de Mississippi en 2002. En 1992, recibió el Premio Nacional de Distinción de la Universidad de Mississippi. También hay una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y una Medalla Presidencial de Honor.

En 1991, B.B. King's Blues Club abrió sus puertas en Beale Street en Memphis, y en 1994, se fundó un segundo club en Los Ángeles. Un tercer club en el Times Square de la ciudad de Nueva York abrió en junio de 2000 y dos clubes abrieron en Connecticut en enero de 2002. En 1996, el CD-Rom "On the Road with B.B. King: Una autobiografía interactiva", y su libro "Blues All Around Me" (Avon Books). "The Arrival of B.B. King" (Doubleday) de Charles Sawyer, se publicó una biografía en 1980. Entre 1951 y 1985 enumeró una sorprendente lista de 75 entradas en las listas de R&B de Billboard. Hay varios Grammy's (más de 15 en el último recuento) sentados en su estantería de casa, y una pared llena de discos de oro y platino que representan millones en ventas de álbumes. "Deuces Wild", una colección de dúos de estrellas, lanzada en 1997, volvió a poner a B.B. en el candelero. Su álbum de 1998, "Blues on the Bayou", fue bien recibido, y su gira anual B.B. King Blues Festival Tour es una de las principales atracciones. El lanzamiento en 1999 de "Let the Good Times Roll-The Music of Louis Jordan" fue un tributo musical a uno de sus héroes. B.B. se unió a Eric Clapton en el lanzamiento multi-platino de "Riding with the King", (Reprise 2000) que fue el tributo de Clapton a él, un excelente disco, un maestro y su alumno tantos años más tarde, tantos caminos recorridos por ambos aún tocando el blues, y con motivo de su 80 cumpleaños en 2005 grabó un álbum de dúos "80" (Geffen) como testimonio de su voluntad como músico perdurable.

B.B. King ha lanzado otra joya de un álbum. "Grabado en The Village Recorder en Los Angeles, CA "OneKind Favor" tiene la intención de sonar como un álbum grabado en la década de 1950. Para conseguir este sonido, el productor T-Bone Burnett y King replicaron el tipo de banda de blues que King tenía en su día, reproduciendo las condiciones del estudio de la época. El resultado es un álbum de sonido vintage lleno de las canciones que influenciaron a King en sus primeros días como artista. Altamente Recomendado!

B.B. King fue el más afortunado e inusual de los bluesmen; un éxito en sus propios términos, y en su propio tiempo. Era el bluesista más conocido y reconocido del planeta. Se mantuvo fiel a sí mismo y a su música, y lo hizo con ella.

B.B. King falleció el 15 de mayo de 2015.

 

www.bbking.com ... 

Brother Jack McDuff • Brotherly Love

Biography :
A marvelous bandleader and organist as well as capable arranger, "Brother" Jack McDuff has one of the funkiest, most soulful styles of all time on the Hammond B-3. His rock-solid basslines and blues-drenched solos are balanced by clever, almost pianistic melodies and interesting progressions and phrases. McDuff began as a bassist playing with Denny Zeitlin and Joe Farrell. He studied privately in Cincinnati and worked with Johnny Griffin in Chicago. He taught himself organ and piano in the mid-'50s, and began gaining attention working with Willis Jackson in the late '50s and early '60s, cutting high caliber soul-jazz dates for Prestige. McDuff made his recording debut as a leader for Prestige in 1960, playing in a studio pickup band with Jimmy Forrest. They made a pair of outstanding albums: Tough Duff and The Honeydripper. McDuff organized his own band the next year, featuring Harold Vick and drummer Joe Dukes. Things took off when McDuff hired a young guitarist named George Benson. They were among the most popular combos of the mid-'60s and made several excellent albums. McDuff's later groups at Atlantic and Cadet didn't equal the level of the Benson band, while later dates for Verve and Cadet were uneven, though generally good. McDuff experimented with electronic keyboards and fusion during the '70s, then in the '80s got back in the groove with the Muse session Cap'n Jack. While his health fluctuated throughout the '90s, McDuff released several discs on the Concord Jazz label before succumbing to heart failure on January 23, 2001, at the age of 74. ~ Ron Wynn and Bob Porter.

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 Biografía :

Un maravilloso director de banda y organista así como un arreglista capaz, "Brother" Jack McDuff tiene uno de los estilos más funky y más conmovedor de todos los tiempos en el Hammond B-3. Sus líneas de bajo sólidas como el rock y sus solos empapados de blues están equilibrados por melodías inteligentes, casi pianísticas y progresiones y frases interesantes. McDuff comenzó como bajista tocando con Denny Zeitlin y Joe Farrell. Estudió de forma privada en Cincinnati y trabajó con Johnny Griffin en Chicago. Se enseñó a sí mismo a tocar el órgano y el piano a mediados de los años 50, y comenzó a llamar la atención trabajando con Willis Jackson a finales de los 50 y principios de los 60, cortando fechas de soul-jazz de alto calibre para Prestige. McDuff hizo su debut discográfico como líder para Prestige en 1960, tocando en una banda de estudio con Jimmy Forrest. Hicieron un par de álbumes excepcionales: Tough Duff y The Honeydripper. McDuff organizó su propia banda al año siguiente, con Harold Vick y el baterista Joe Dukes. Las cosas despegaron cuando McDuff contrató a un joven guitarrista llamado George Benson. Estaban entre los combos más populares de mediados de los 60 e hicieron varios álbumes excelentes. Los grupos posteriores de McDuff en Atlantic y Cadet no igualaron el nivel de la banda de Benson, mientras que las fechas posteriores de Verve y Cadet fueron desiguales, aunque en general buenas. McDuff experimentó con los teclados electrónicos y la fusión durante los años 70, luego en los 80 volvió a la onda con la sesión de Muse Cap'n Jack. Mientras que su salud fluctuó a lo largo de los años 90, McDuff publicó varios discos en el sello Concord Jazz antes de sucumbir a una insuficiencia cardíaca el 23 de enero de 2001, a la edad de 74 años. ~ Ron Wynn y Bob Porter

Brother Jack McDuff • The Best of the Concord Years

 

Review by Steve Leggett
Hammond B-3 organist Jack McDuff spent his last decade recording for the Concord Jazz label, and for the most part his albums during this time period lacked the verve and fire of his earlier work, and he seemed, at times, to be going through the motions. The two-disc Best of the Concord Years anthology changes that perception a bit, since by picking some of the best tracks from the individual albums, the end result is a collection that is both more varied and energetic than its original sources, and McDuff emerges as a vital performer to the end. Among the highlights are the slow-building "Killer Joe," a moving take on Hoagy Carmichael's "Georgia," the classic soul jazz vamp of "Pettin' the Cat," and a pair of weary, emotionally fulfilling blues duets with pianist Gene Harris, "J and G Blues" and "Down Home Blues." Grady Tate, George Benson, Joey DeFrancesco, Red Holloway, and Pat Martino also take guest turns on selections here. The Best of the Concord Years ends up being just that, the best way to sample McDuff's final years, and culled this way, it is work that stands up admirably to his impressive earlier material.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-the-concord-years-mw0000023442

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Reseña de Steve Leggett
El organista de Hammond B-3, Jack McDuff, pasó su última década grabando para el sello Concord Jazz, y en su mayor parte sus álbumes durante este período carecieron del brío y el fuego de sus trabajos anteriores, y parecía, a veces, estar pasando por los movimientos. La antología de dos discos Best of the Concord Years cambia un poco esa percepción, ya que al elegir algunas de las mejores pistas de los álbumes individuales, el resultado final es una colección que es a la vez más variada y enérgica que sus fuentes originales, y McDuff emerge. como un intérprete vital hasta el final. Entre los aspectos más destacados se encuentran "Killer Joe", una versión conmovedora de "Georgia" de Hoagy Carmichael, el clásico soul jazz de "Pettin' the Cat" y un par de duetos de blues agotadores y emocionalmente satisfactorios con el pianista Gene Harris. , "J y G Blues" y "Down Home Blues". Grady Tate, George Benson, Joey DeFrancesco, Red Holloway y Pat Martino también participan como invitados en las selecciones aquí. Lo mejor de los años de Concord termina siendo solo eso, la mejor manera de probar los últimos años de McDuff, y seleccionado de esta manera, es un trabajo que destaca admirablemente frente a su impresionante material anterior.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-the-concord-years-mw0000023442

concordjazz.com ...

Jimmy Mcgriff • The Dream Team

Review by Richard S. Ginell

Jimmy McGriff moves back to the Milestone label in style with a great soul-jazz quintet, with whom he recorded one of his best Milestone albums, The Starting Five. This time, with no apologies to the notorious O.J. Simpson legal staff, he calls his quintet "the Dream Team" -- and for this kind of music, indeed they are. McGriff strokes his Hammond XB-3 keys and pedals with a relaxed in-the-pocket feeling; with this group, he doesn't have to push, nor should he. David "Fathead" Newman holds down the tenor chair, Red Holloway (replacing the late Rusty Bryant) is on alto and tenor, Mel Brown plays really tasty guitar, and Bernard Purdie powers the drums. Check out the effortlessly sauntering, hip-swinging boogaloo of "Fleetwood Stroll" or the slow, deeply soulful treatment of Willie Nelson's country standard "Funny How Time Slips Away" or the oooh-ain't-that-funky "McGriffin." Everybody swings, everybody listens intuitively to each other and feels the down-home churchy grooves, and they recorded it all in one day at Rudy Van Gelder's studio. This has the ingredients for ranking as an instant classic in this idiom.

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Reseña de Richard S. Ginell

Jimmy McGriff regresa a la discográfica Milestone con un gran quinteto de soul-jazz, con el que grabó uno de sus mejores álbumes Milestone, The Starting Five. Esta vez, sin disculparse con el notorio personal legal de O.J. Simpson, llama a su quinteto "el equipo de los sueños" - y para este tipo de música, de hecho lo son. McGriff acaricia sus teclas y pedales del Hammond XB-3 con una relajada sensación en el bolsillo; con este grupo, no tiene que empujar, ni debería hacerlo. David "Fathead" Newman ocupa la silla de tenor, Red Holloway (reemplazando al difunto Rusty Bryant) está en alto y en tenor, Mel Brown toca una guitarra muy sabrosa, y Bernard Purdie impulsa la batería. Echa un vistazo al boogaloo que se mueve sin esfuerzo en "Fleetwood Stroll" o al tratamiento lento y profundamente conmovedor del estándar country de Willie Nelson "Funny How Time Slips Away" o el oooh-no-que-sea "McGriffin". Todos se balancean, todos se escuchan intuitivamente y sienten los ritmos de la iglesia, y lo grabaron todo en un día en el estudio de Rudy Van Gelder. Esto tiene los ingredientes para clasificarlo como un clásico instantáneo en este idioma.

 

Big Walter Horton & Alfred 'Blues King' Harris • Harmonica Blues Kings

Gene Ammons • Free Again

 

 

Artist Biography
Gene Ammons, who had a huge and immediately recognizable tone on tenor, was a very flexible player who could play bebop with the best (always battling his friend Sonny Stitt to a tie) yet was an influence on the R&B world. Some of his ballad renditions became hits and, despite two unfortunate interruptions in his career, Ammons remained a popular attraction for 25 years.

Son of the great boogie-woogie pianist Albert Ammons, Gene Ammons (who was nicknamed "Jug") left Chicago at age 18 to work with King Kolax's band. He originally came to fame as a key soloist with Billy Eckstine's orchestra during 1944-1947, trading off with Dexter Gordon on the famous Eckstine record Blowing the Blues Away. Other than a notable stint with Woody Herman's Third Herd in 1949 and an attempt at co-leading a two tenor group in the early '50s with Sonny Stitt, Ammons worked as a single throughout his career, recording frequently (most notably for Prestige) in settings ranging from quartets and organ combos to all-star jam sessions. Drug problems kept him in prison during much of 1958-1960 and, due to a particularly stiff sentence, 1962-1969. When Ammons returned to the scene in 1969, he opened up his style a bit, including some of the emotional cries of the avant-garde while utilizing funky rhythm sections, but he was still able to battle Sonny Stitt on his own terms. Ironically the last song that he ever recorded (just a short time before he was diagnosed with terminal cancer) was "Goodbye."

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Biografía del artista
Gene Ammons, que tenía un tono enorme e inmediatamente reconocible en el tenor, era un jugador muy flexible que podía tocar el bebop con los mejores (siempre luchando contra su amigo Sonny Stitt con un empate) y, sin embargo, era una influencia en el mundo del R&B. Algunas de sus interpretaciones de baladas se convirtieron en éxitos y, a pesar de dos desafortunadas interrupciones en su carrera, Ammons siguió siendo una atracción popular durante 25 años.

Hijo del gran pianista de boogie-woogie Albert Ammons, Gene Ammons (apodado "Jug") dejó Chicago a los 18 años para trabajar con la banda de King Kolax. Originalmente llegó a la fama como solista clave con la orquesta de Billy Eckstine durante 1944-1947, intercambiando con Dexter Gordon en el famoso disco de Eckstine Blowing the Blues Away. Aparte de una notable temporada con Woody Herman's Third Herd en 1949 y un intento de co-liderar un grupo de dos tenor a principios de los'50 con Sonny Stitt, Ammons trabajó como single a lo largo de su carrera, grabando frecuentemente (más notablemente para Prestige) en escenarios que iban desde cuartetos y combos de órgano hasta jam sessions de estrellas. Los problemas de drogas lo mantuvieron en prisión durante gran parte de 1958-1960 y, debido a una sentencia particularmente dura, de 1962-1969. Cuando Ammons regresó a la escena en 1969, abrió un poco su estilo, incluyendo algunos de los gritos emocionales de la vanguardia mientras utilizaba secciones rítmicas funky, pero aún así fue capaz de luchar contra Sonny Stitt en sus propios términos. Irónicamente, la última canción que grabó (poco antes de que le diagnosticaran un cáncer terminal) fue "Goodbye".

 

Jack McDuff ‎• Tobacco Road

 

Jack McDuff • The Soulful Drums

 

Biography :
A marvelous bandleader and organist as well as capable arranger, "Brother" Jack McDuff has one of the funkiest, most soulful styles of all time on the Hammond B-3. His rock-solid basslines and blues-drenched solos are balanced by clever, almost pianistic melodies and interesting progressions and phrases. McDuff began as a bassist playing with Denny Zeitlin and Joe Farrell. He studied privately in Cincinnati and worked with Johnny Griffin in Chicago. He taught himself organ and piano in the mid-'50s, and began gaining attention working with Willis Jackson in the late '50s and early '60s, cutting high caliber soul-jazz dates for Prestige. McDuff made his recording debut as a leader for Prestige in 1960, playing in a studio pickup band with Jimmy Forrest. They made a pair of outstanding albums: Tough Duff and The Honeydripper. McDuff organized his own band the next year, featuring Harold Vick and drummer Joe Dukes. Things took off when McDuff hired a young guitarist named George Benson. They were among the most popular combos of the mid-'60s and made several excellent albums. McDuff's later groups at Atlantic and Cadet didn't equal the level of the Benson band, while later dates for Verve and Cadet were uneven, though generally good. McDuff experimented with electronic keyboards and fusion during the '70s, then in the '80s got back in the groove with the Muse session Cap'n Jack. While his health fluctuated throughout the '90s, McDuff released several discs on the Concord Jazz label before succumbing to heart failure on January 23, 2001, at the age of 74. ~ Ron Wynn and Bob Porter.

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 Biografía :

Un maravilloso director de banda y organista así como un arreglista capaz, "Brother" Jack McDuff tiene uno de los estilos más funky y más conmovedor de todos los tiempos en el Hammond B-3. Sus líneas de bajo sólidas como el rock y sus solos empapados de blues están equilibrados por melodías inteligentes, casi pianísticas y progresiones y frases interesantes. McDuff comenzó como bajista tocando con Denny Zeitlin y Joe Farrell. Estudió de forma privada en Cincinnati y trabajó con Johnny Griffin en Chicago. Se enseñó a sí mismo a tocar el órgano y el piano a mediados de los años 50, y comenzó a llamar la atención trabajando con Willis Jackson a finales de los 50 y principios de los 60, cortando fechas de soul-jazz de alto calibre para Prestige. McDuff hizo su debut discográfico como líder para Prestige en 1960, tocando en una banda de estudio con Jimmy Forrest. Hicieron un par de álbumes excepcionales: Tough Duff y The Honeydripper. McDuff organizó su propia banda al año siguiente, con Harold Vick y el baterista Joe Dukes. Las cosas despegaron cuando McDuff contrató a un joven guitarrista llamado George Benson. Estaban entre los combos más populares de mediados de los 60 e hicieron varios álbumes excelentes. Los grupos posteriores de McDuff en Atlantic y Cadet no igualaron el nivel de la banda de Benson, mientras que las fechas posteriores de Verve y Cadet fueron desiguales, aunque en general buenas. McDuff experimentó con los teclados electrónicos y la fusión durante los años 70, luego en los 80 volvió a la onda con la sesión de Muse Cap'n Jack. Mientras que su salud fluctuó a lo largo de los años 90, McDuff publicó varios discos en el sello Concord Jazz antes de sucumbir a una insuficiencia cardíaca el 23 de enero de 2001, a la edad de 74 años. ~ Ron Wynn y Bob Porter

Red Holloway • Red Holloway & Company

 

Reviews:
Saxophonist Red Holloway (equally distinctive on tenor and alto) performs a more diverse program than usual on this Concord CD, infusing such songs as "But Not for Me," "Passion Flower," Thelonious Monk's "Well You Needn't," "Summertime" and two of his originals with plenty of soul and solid swing. Holloway, a masterful interpreter rather than an innovator, is in top form throughout the recommended set, which also features pianist Cedar Walton, bassist Richard Reid and drummer Jimmie Smith. ~ by Scott Yanow, AMG. Source: https://www.allmusic.com/album/red-holloway-and-company-mw0000651175

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Reseñas:
El saxofonista Red Holloway (igualmente distintivo en el tenor y el alto) realiza un programa más diverso de lo habitual en este CD de Concord, infundiendo canciones como "But Not for Me", "Passion Flower", "Well You Needn't" de Thelonious Monk, "Summertime" y dos de sus originales con mucha alma y sólido swing. Holloway, un intérprete magistral más que un innovador, está en plena forma a lo largo del recomendable conjunto, en el que también participan el pianista Cedar Walton, el bajista Richard Reid y el baterista Jimmie Smith. ~ Por Scott Yanow, AMG. Fuente: https://www.allmusic.com/album/red-holloway-and-company-mw0000651175

Brother Jack McDuff • Live!

Disco en vivo con mucha energía y feeling.

Eugene McDuffy, más conocido como "Brother" Jack McDuff, fue uno de los principales exponentes del soul-jazz de finales de 1950.

a Impuesto por Jimmy Smith, el órgano Hammond B-3, acompañado por guitarra eléctrica, batería y ocasionalmente saxo tenor, se convirtió en el corazón del estilo de soul-jazz y, ya entrada la década de 1960, también fue de uso generalizado en el jazz convencional y en la música pop, siendo McDuff fue uno de los artistas más exitosos en su "aplicación".

En 1963, con dos presentaciones en vivo obtuvo el definitivo reconocimiento como maestro del estilo.

Uno de los conciertos ocurrió en el Front Room de Newark en Junio de 1963, y el otro cuatro meses después en el Jazz Workshop de San Francisco. Ambos tuvieron su disco propio para el sello Prestige y, en 1994, ambos fueron reunidos en forma de disco compacto.

Allí estuvo acompañado por una formación que él le llamaba "The Heatin’ System" y que era considerada como la de mayor renombre del género del momento: Red Holloway y Harold Vick en saxo tenor y flauta, Joe Dukes a la batería y un joven George Benson en guitarra, antes de convertirse en la estrella de la fórmula "soul-pop" en la década de 1970.

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"Brother" Jack McDuff (September 17, 1926 – January 23, 2001) was an American jazz organist and organ trio bandleader who was most prominent during the hard bop and soul jazz era of the 1960s, often performing with an organ trio. He is also credited with giving guitarist George Benson his first break.

Born Eugene McDuffy in Champaign, Illinois, McDuff began playing bass, appearing in Joe Farrell's group. Encouraged by Willis Jackson in whose band he also played bass in the late 1950s, McDuff moved to the organ and began to attract the attention of Prestige Records while still with Jackson's group. McDuff soon became a bandleader, leading groups featuring a young George Benson, Red Holloway on saxophone and Joe Dukes on drums.

McDuff recorded many classic albums on Prestige including his debut solo Brother Jack in 1960, The Honeydripper (1961), with tenor saxophonist Jimmy Forrest and guitarist Grant Green, Brother Jack Meets The Boss (1962), featuring Gene Ammons, and Screamin’ (1962).

After his tenure at Prestige, McDuff joined the Atlantic label[1] for a brief period and then in the 1970s recorded for Blue Note. To Seek a New Home (1970) was recorded in England with a line-up featuring blues shouter Jimmy Witherspoon and some of Britain's top jazz musicians of the day, including Terry Smith on guitar and Dick Morrissey on tenor sax.

The decreasing interest in jazz and blues during the late 1970s and 1980s meant that many jazz musicians went through a lean time and it wasn't until the late 1980s, with The Re-Entry, recorded for the Muse label in 1988, that McDuff once again began a successful period of recordings, initially for Muse, then on the Concord Jazz label from 1991. George Benson appeared on his mentor’s 1992 Colour Me Blue album.

Despite health problems, McDuff continued working and recording throughout the 1980s and 1990s, and toured Japan with Atsuko Hashimoto in 2000. "Captain" Jack McDuff, as he later became known, died of heart failure at the age of 74 in Minneapolis, Minnesota.